PERFIL - CASIMIRO DE BRITO

 O Poeta do Amor

 

«Sou poeta, um vaso aberto a todas as águas».

Casimiro de Brito,

in Catálogo da Exposição Entre Mil Águas: Vida Literária de Casimiro de Brito, I FLIQ

 

Casimiro de Brito - Site da Câmara Municipal de Loulé

     Foi no contexto de festa da cultura - I Festival Literário Internacional de Querença (agosto de 2016) – que conheci Casimiro de Brito, o autor homenageado. Vi um homem jovial, comunicativo, atento aos pormenores e profundo conhecedor dos diferentes cenários onde a Literatura se move – a escrita, a crítica, a divulgação, o reconhecimento por parte dos outros. Vi a sua pose de poeta do amor e da claridade. Ao mesmo tempo, tive a percepção de um homem simples, demarcado das vaidades que poluem os guetos literários e possuidor de uma apurada sensibilidade humana. E vi, sobretudo, a sua generosidade, ao dizer tanto com tão poucas palavras. Por exemplo, sobre si próprio: «Biografia: amo e escrevo.»

     Assim, é visível a intensidade das coisas belas, o amor, o erotismo, a mulher amada na escrita de Casimiro de Brito. Deixo-vos, como exemplo, dois fragmentos do seu livro “Flor Interior”, editado pela Eufeme em 2017:

4 Olho para a mulher como se tivesse sido cego a vida inteira

24 Não sei ler mas li as páginas do teu corpo de olhos fechados

 

     Também Manuel Frias Martins o referencia como um dos «melhores executantes» de literatura erótica, numa entrevista de 16 de agosto de 2021 ao JN: no romance Uma Lágrima que Cega, por exemplo, «o erótico emerge de uma abordagem estética (e quase mística) dos atos de amor e da paixão estimulada pelo corpo feminino, mas cujo arrebatamento simultaneamente erótico e estilístico se reconhece em imagens» (…) da sua escrita.

     Casimiro de Brito é fascinante na sua interpretação filosófica. Apresento alguns aforismos seus, do conjunto Pontos Luminosos, publicados na revista Lógos-Biblioteca do Tempo Nº 8 (Maio de 2018):

      «1. Do aforismo. Que seja o mais nu possível.

4. Mas cuidado com as palavras: elas ofuscam o silêncio onde se oculta a palavra que não é sequer música, apenas respiração.

11. Não, não é possível prosseguir no ofício do poema, no precário equilíbrio entre opacidade e transparência ("é característica do enigma a de dizer coisas reais através de associações impossíveis", Aristóteles, Poética, 22) quando a música me abandona, quando o pequeno animal de som que vem do fundo e banha de ambiguidade as palavras cessam. Quando a música se afasta só o silêncio me salva, o silêncio placentário que envolve cada palavra como se ela fosse um bicho que vai nascer, florescer, ferir, esgotar-se e morrer.

19. E o pensamento? Será o pensamento, como pretende Heidegger, “o poema original”? Poema e pensamento são traduções da essência poética, sub-versões da verdade do ser; engendram-se na perdição da voz, jamais na perdição da boca. O dizer original não é, pois, o primeiro verso do poema, o incipit que tu colhes quando menos esperas: não é a palavra, mas o desejo da palavra. Há quem lhe chame música ou paixão, mas para que essa música se transforme em número é preciso que o desejo seja de-cifrado e a paixão trabalhada com rigor. Só então o dictare original será desfeito pela lei do poema.

24. O poeta, esse, está ferido e vai cair – ferido pelos desastres da História e da sua história vai regressar, mas ainda não chegou a hora de mergulhar nas águas mais íntimas do mundo; esse que ouviu a sombra, e teve a visão do canto, e vai criar a obra da palavra… vai enfim cair – o poeta que nomeou a unidade perdida vai-se apagar no poema que talvez dure mais do que um instante – e assim se romperá por momentos a separação, o fosso que separa o homem da esfera musical a que pertence – a música “secretissima, penetralia, cubilia” de que falava Santo Agostinho – essa esfera ou seio ou Unum Principale diante do qual o homem está sentado – o poeta que vai cair, apodrecer – expulso mais uma vez do paraíso para o seu longo e louco exílio.»

     Numa entrevista concedida por Casimiro de Brito à revista Lógos-Biblioteca do Tempo Nº 3 (Setembro de 2018) é evidente a simplicidade, o despojamento em relação ao seu universo poético:

«Lógos – A maior verdade de um poeta é pôr o mundo a falar nos seus versos? É uma tragédia se não o entendem no seu tempo? Tem consciência da “utilidade” da sua poesia no mundo?

CB – Deixei escrito há dezenas de anos que o meu poema servirá, espero, a quem for tão pobre como eu. Pobre no sentido de despojado. E é curioso que, por vezes, ficamos mais ricos — e não será apenas o meu caso — com a aproximação do pouco. O mundo está cheio de “muito” e é preciso esvaziá-lo quanto possível.»

     Casimiro de Brito é poeta, romancista, contista e ensaísta. Nasceu no Algarve (Loulé), a 14 de janeiro de 1938, onde estudou (depois em Londres) e viveu até 1968. Depois de uns anos na Alemanha passou a viver em Lisboa. Teve várias profissões, mas actualmente dedica-se exclusivamente à literatura. Começou a publicar em 1957 (Poemas da Solidão Imperfeita) e, desde então, publicou mais de 70 títulos. Dirigiu várias revistas literárias, entre elas "Cadernos do Meio-Dia" (com António Ramos Rosa), os Cadernos “Outubro/ Fevereiro/ Novembro” (com Gastão Cruz) e “Loreto 13” (órgão da Associação Portuguesa de Escritores). Actualmente é responsável pela colaboração portuguesa na revista internacional “Serta” e faz parte da direcção do Festival “Voix Vives” de Sète bem como da World Haiku Association, sediada em Tóquio. Esteve ligado ao movimento “Poesia 61”, um dos mais importantes da poesia portuguesa do século XX. Ganhou vários prémios literários, entre eles vários prémios nacionais, o Prémio Internacional Versilia, de Viareggio, para a “Melhor obra completa de poesia”, pela sua Ode & Ceia (1985), obra em que reuniu os seus primeiros dez livros de poesia. Colabora nas mais prestigiadas revistas de poesia e tem obras suas incluídas em 236 antologias, publicadas em vários países. Participou em inúmeros recitais, festivais de poesia, congressos de escritores, conferências, um pouco por todo o mundo. Foi director de festivais internacionais de poesia de Lisboa (Casa Fernando Pessoa), Porto Santo (Madeira) e Faro. Foi fundador e vice-presidente da Associação Portuguesa de Escritores, presidente da Association Européenne pour la Promotion de la Poésie, de Lovaina e foi fundador e presidente da direcção depois da Assembleia Geral do P.E.N. Clube Português. Obras suas foram gravadas para a Library of the Congress, de Washington. Foi agraciado pela Academia Brasileira de Filologia, do Rio de Janeiro, com a medalha Oskar Nobiling por serviços distintos no campo da literatura — entre outras distinções. A Académie Mondiale de Poésie (da Fundação Martin Luther King) galardoou-o em 2002 com o primeiro Prémio Internacional de Poesia Leopold Sédar Senghor, pela sua carreira literária. Ganhou o Prémio Europeu de Poesia Sibila Aleramo-Mario Luzi, com a sua antologia Libro delle Cadute, publicada em Itália em 2004, o prémio “Poeteka” na Albânia e o Prémio Mundial de Haikus da World Haiku Association. Tem traduzido poesia de várias línguas, sobretudo do japonês e foi traduzido para galego, espanhol, catalão, italiano, francês, corso, inglês, alemão, flamengo, holandês, sueco, polaco, esloveno, servo-croata, grego, romeno, búlgaro, húngaro, russo, árabe, hebreu, chinês, albanês, macedónio e japonês. Em 2006, foi nomeado Embaixador Mundial da Paz, no âmbito da Embaixada Mundial da Paz, sediada em Genebra. Foi também agraciado com a Ordem do Infante D. Henrique pela Presidência da República (Portugal). Últimas obras editadas: Livro das Quedas, Arte de Bem Morrer, Amar a Vida Inteira, Amo Agora / Amo Sempre (com a cantora argentina Marina Cedro), Eros Mínimo, Aimer Toute la Vie (em Paris), Apoteose das Pequenas Coisas, Flor Interior, Música Nua, Uma Lágrima que Cega, Alfa & Ómega – Breve Dicionário Pessoal, Cerimónia Amorosa, Euforia, Livro de Eros ou As Teias do Desejo, Amor Nu (Livro de Eros, II), No Amor Tudo se Move e Regresso à Ilha.

     É preciso revisitar Casimiro de Brito, o homem e o escritor. Depois de termos esvaziado o mundo do supérfluo, a sua obra permanecerá a ecoar no tempo.

Adília César, in https://issuu.com/danielpina1975/docs/algarve_informativo_383

PERFIL - PAULA REGO

 Inquietação, inquietação

 

O desenho é uma pronúncia, como a da fala. Onde nascemos, que influência tiveram em nós as primeiras vozes que ouvimos, as corruptelas, o som e a intensidade que ele transmite, se de agressão ou carinho, tudo aparece no desenho da escrita.

Agustina Bessa-Luís

 

"Fada Azul e Pinóquio", Paula Rego, 1995

     Inquietação – é o que me ocorre quando observo as obras de Paula Rego. Inquietação – é o que sinto quando ouço as palmas de alguém que quer afugentar as centenas de pássaros chilreadores que regressam a casa, ao fim da tarde. Sim, é um espectáculo merecedor de palmas. Eles – os melros e os pardais – cantam, todos juntos, uma canção de reencontro que conta uma história, como se de um ritual se tratasse. Primeiro chegou a árvore, a explosão lenta de uma semente no meio do asfalto. Depois veio o primeiro pássaro para morar num pequeno ramo. A seguir, esse pássaro chamou todos os outros para habitarem a copa daquela enorme árvore entalada entre a estrada e o prédio de quatro andares. Inquietação e angústia. Sinto compaixão pelos pássaros, essas criaturas tão frágeis e preciosas, chilreadoras, mas que ninguém quer perto das suas janelas. As pessoas batem palmas e eles calam-se durante três segundos. E logo recomeçam o poderoso chilreio em voo vertiginoso. A liberdade dos pássaros é um espectáculo a que assisto, humildemente, ao crepúsculo.

     Paula Rego foi estudar na Chelsea School of Art (1952), em Londres e, mais tarde, enquanto Artista Associada da National Gallery teve direito a um atelier no edifício do museu e a um salário. Isso permitia-lhe dedicar-se à pintura, a tempo inteiro. Era um espaço estranho, com um grande pé direito, sem janelas. Que impressão daria à artista? Atrevo-me a inferir que aquele atelier não seria o ideal para ela, uma vez que a amplitude do espaço poderia provocar-lhe uma sensação de contenção.  O atelier: demasiado amplo, demasiado largo nas suas linhas direitas, nada reconfortante. Digo reconfortante no sentido da ingestão de comida que implica a adjectivação do paladar: doce, amargo, acre, ou apenas insonso. A obra de Paula Rego é tudo menos insonsa, tem qualquer coisa de grave e assustador.

     Paula Rego nasceu em 1935, em Portugal. Os seus temas de eleição partem de uma cultura familiar, e nos seus quadros são pintados os porquês das coisas que acontecem às pessoas retratadas. A pintora reconhecia os actos quotidianos como possibilidades de procedimentos artísticos complexos, os quais sempre me escaparam. Lembro-me que, até há bem pouco tempo, desviava o olhar dos seus quadros, com o pudor próprio de uma espectadora preconceituosa e submissa ao surrealismo romântico: eu. A pintora faleceu em 2022 e senti a imperiosa necessidade de pressupor que eu estaria, de facto, enganada a seu respeito. Acredito que devemos interessar-nos pela obra artística enquanto os artistas estão vivos e, deste modo, foi uma necessidade envergonhada, confesso, por tardia.  

     Observei reproduções de obras de Paula Rego e dei por mim a inferir que os seus desenhos eram a sua escrita. Uma escrita intensamente barroca e complexa, mas ao mesmo tempo permissiva, deixando entrar as minhas próprias impressões leigas. Vislumbrei a realidade aguda dos universos femininos, simbólicos, controversos, que a artista quis deixar inscritos no tempo. A pintura "Fada Azul e Pinóquio" (1995) falou-me de temas da infância, esse universo onde fui plantada desde que nasci e de onde nunca mais saí: sou filha, mãe, sou educadora de infância. Sou mulher e também sou uma fada, tendo em conta tudo o que passei na resolução de inúmeros constrangimentos e problemas que assolaram a minha vida, de uma forma apenas subtil, quase por magia. As mulheres são assim, como fadas azuis para as crianças. A mãe, por exemplo. E todas essas fadas acreditam que têm o condão de esculpir as crianças como se estas fossem bonecos de madeira, com recompensas e castigos. A mãe e o seu filho, por exemplo. Mas não: uma criança é muito mais do que matéria a esculpir e a fada de hoje já não faz magias. Paula Rego cumpriu o seu propósito de nos contar histórias de mulheres que não sabiam onde pousar o medo. Elas não sabiam, mas Paula Rego atirou esse medo para o sítio certo: a pele da tela. Agora, podemos olhar o medo de frente, durante o tempo que quisermos, sem termos medo daquele medo. 

Adília César, in https://issuu.com/danielpina1975/docs/algarve_informativo_396

PERFIL - MINOU DROUET

 A fraude ou o génio – O pouco ou o muito

 

Na verdade, você não pode encontrar um livro de Minou Drouet em qualquer livraria de Paris, nem mesmo o seu sucesso fenomenal Arbre, Mon Ami, que foi publicado há pouco mais de cinquenta anos - no começo de 1956 - pelo agressivo René Julliard, que no ano anterior havia conseguido um triunfo internacional com Bonjour Tristesse, de Françoise Sagan. Mas Sagan tinha dezoito anos; Minou tinha oito anos.

Robert Gottlied in “A Lost Child” (2006)

 

 

Minou Drouet

     Minou nasceu em julho de 1947 e foi adoptada por Claude Drouet, professora particular e aspirante a poetisa. A menina evidenciava problemas sérios de saúde: era quase cega e comportava-se de modo muito alheado, tendo dificuldade em relacionar-se com as outras crianças. Diz-se que até aos seis anos de idade nunca pronunciou uma palavra. Talvez por estes motivos de recolhimento interior, as suas emoções eram dedicadas quase inteiramente à natureza – os pássaros e outros animais, a grande árvore do jardim. Claude Drouet amou aquela criança para além do esperado, acreditando que através desse amor seria possível transformar um bebé doentio e fechado numa menina saudável, feliz e criativa. Não se sabe bem como começou esse milagre do desabrochar, do despertar para o mundo. Toda a infância de Minou foi cercada de mistérios e ambiguidades, e vários médicos afirmaram que ela nunca seria uma criança normal.

     Em 1954 teve início um processo extraordinário de desenvolvimento do caso Minou: por volta dos 8 anos de idade a criança começou as suas lições de piano com Ninette Ellia, a quem escreveu cartas e poemas; por sua vez, a tutora mostrou-as ao Professor Vallery-Radot da Academia Francesa, que ficou fascinado e dela falou ao editor René Julliard; este veio a conhecer Minou pouco tempo depois.  Entretanto, a menina fez uma cirurgia e recuperou a visão. Julliard fez uma edição privada de um livreto com uma selecção de poemas e de cartas de Minou e a controvérsia instalou-se. Os textos, de grande qualidade literária, implicavam indiscutivelmente a questão da sua autoria: seria a criança ou a mãe, uma poetisa considerada de segunda categoria? Um sem número de acções de diversos quadrantes da sociedade francesa e até internacional moveram todas as estratégias ao alcance numa tentativa de decifrar a personalidade poética de Minou Drouet: entrevistas à família, artigos de opinião, testes de competência. A 14 de janeiro de 1956, René Juillard publicou o primeiro livro de Minou – Arbre, Mon Ami – com 21 poemas e algumas cartas que ela escreveu para diversas pessoas: uma imaginação extravagante, metáforas poderosas, neologismos, uma enorme sensibilidade. E nada disto se sintonizava com uma menina daquela idade. Seria Minou Drouet uma criança prodígio ou uma farsa? O livro teve sucesso imediato, vendendo quarenta e cinco mil cópias em poucos meses. A batalha literária continuou por mais algum tempo, a par dos filmes, canções, entrevistas, programas de televisão. Um boom mediático e avassalador que explorou o caso Minou Drouet até à exaustão, com posições altamente contrárias evidenciadas por personalidades relevantes do meio cultural da época – escritores, jornalistas, críticos de arte. Nunca se chegou a uma conclusão válida.

     “Eu era uma criança perdida, eu era apenas um animal patético, que crime cometi para ser perseguida desta maneira?”, perguntou ela. Não obteve resposta. Depois de ter publicado um segundo livro de poesia em 1959 – Le Pêcheur de Lune – ela começou a hesitar. Tentou escrever fábulas, romances, e também seguir carreira como cantora, estudou enfermagem, casou com o artista e cronista de rádio Patrick Font e divorciou-se de seguida. O impulso irresistível para escrever tinha-a abandonado aos 14 anos e pouco a pouco remeteu-se ao silêncio. Contudo, ela encontrou uma forma de sobreviver: deixou cair a Minou da infância e tornou-se Madame Le Canou, instalando-se na localidade de La Guerche-de-Bretagne – onde poucos habitantes conhecem o seu passado. Era o preço que estava disposta a pagar.

     É possível encontrar a bela mulher loira de 75 anos a fazer compras no mercado; já não escreve e recusa-se a dar entrevistas. O enigma persiste.

     No contexto da época, o caso Minou Drouet foi considerado o maior enigma literário do século XX, em França. Fascinante. Um enigma dentro de outro enigma. De um lado, a poesia. Do outro, uma criança. De tudo o que se sabe sobre uma e outra – a poesia e a criança – não se tem grandes certezas. O que é a poesia? O que é uma criança? E, assim, resta-nos a grande questão que ultrapassa o caso Minou Drouet: pode uma criança escrever poemas?

Adília César, in https://issuu.com/danielpina1975/docs/algarve_informativo_391

PERFIL - SIR JOHN HARINGTON

Poetas e poetas

 

Dizem que não há mulher feia

Também não há má poesia.

Que a natureza a tudo premeia

 

Samuel Úria, Má Poesia Feia 

 

Sir John Harington e os planos do autoclismo

     Sir John Harington nasceu em Kelston, Reino Unido (baptizado a 4 de agosto de 1560 e falecido a 20 de novembro de 1612), era um cortesão inglês, poeta e tradutor. O que muita gente não sabe, é que ele ficou na história como o inventor do autoclismo, apesar de se conhecer a existência de espaços sanitários públicos, em forma de bancos conjuntos, nas cidades greco-romanas da antiguidade.

      Foi na corte da Rainha Elisabeth I que J.H. se notabilizou, sendo conhecido como o seu "afilhado atrevido", mas a poesia e outros escritos tendencialmente críticos em relação à monarquia contribuíram para a sua desgraça, passando a ser repudiado pela rainha. “Um Novo Discurso de um Sujeito Velho, chamada Metamorfose de Ajax” data de 1596 e é um texto controverso, uma alegoria política e um ataque à monarquia, ainda que codificado. Sem dúvida, a sua obra mais conhecida. Neste “novo discurso”, J.H. descreve aquilo que seria hoje uma sanita moderna com descarga (o “autoclismo”), a qual chegou a ser instalada na sua casa em Kelston: esta nova invenção seria melhorada em 1778, por Joseph Bramah.

     O século XVI é referenciado como a época em que era vulgar o uso da cadeira de madeira com um recipiente colocado no seu interior, destinado à recolha dos dejectos das pessoas, nas casas das famílias mais abastadas. Em 1739 é finalmente criado o primeiro WC público dividido por género feminino e masculino e, em 1885, Thomas Twyford lançou as inovadoras sanitas de porcelana que substituíram rapidamente, pelos motivos óbvios, as cadeiras de madeira: as peças de louça eram mais bonitas e de fácil limpeza. Sanitas com sifão foram colocadas à disposição dos potenciais utilizadores no final do século XIX, e no século XX a invenção ganhou popularidade: objectos funcionais e imprescindíveis no nosso dia a dia. É interessante referir que no livro As 100 maiores invenções da história, o escritor americano Tom Philbin classificou-o na 16ª colocação.

     Parecendo, esta crónica não é sobre sanitas e autoclismos, embora a introdução seja absolutamente necessária para a compreensão do que vem a seguir. Afinal o inventor do autoclismo também era poeta… Portanto, a minha reflexão vai para uma determinada linha de poesia rebuscada nos canos da inspiração e do sentimentalismo. Muitas pessoas que se dizem poetas escrevem com o coração, não usam a cabeça. Lamentavelmente, quando são assoberbados por algum súbito pensamento que lhes parece “luminoso e inspirador”, têm um problema de configuração e a máquina de construir poemas exibe as suas falhas.

     Na verdade, cabeças há muitas; e ao contrário do que eu julgava até há bem pouco tempo, não há “cabeças ocas”. Contudo, há cabeças que não pensam por dentro, mas sim por fora. Em vez de se preocuparem com a sua essência, apoiam-se numa existência baseada em comodismos, vaidades, peripécias inócuas, enfeites. Nas palavras de Homero Flor, essas pessoas habitam um “Olimpo de Fancarias”, onde a afirmação do ego vale mais do que um pensamento altruísta.

     A poesia, coitada, conspurcou-se. Agora, todos “têm vontade” e “sabem” escrever poemas, ou seja, ser poeta já não é uma condição inerente ao ofício literário, parecendo congregar funções terapêuticas, exibicionistas e decorativas, de modo insistente, obcessivo: desabafos salteados, solturas metafóricas, palavras cruzadas de semântica indigesta. Em suma, matéria biodegradável, de perenidade imediata, porém, sempre mediatizada, infelizmente. Há versos que são como dejectos, mas quando se trata de poemas inteiros, então, é preciso uma boa descarga de tolerância para higienizar o pensamento poético. Eu entendo: há poetas que são como autoclismos avariados, embora não o saibam. E quem tem coragem de lhes dizer a verdade? Poucos.

     Validar a obra de um poeta é tarefa do crítico independente, mas também do leitor atento, e nunca da editora que promove e vende os livros. Certezas: Luís de Camões, Fernando Pessoa e...? Só um sério e sistematizado trabalho de crítica literária elaborado por um número significativo de estudiosos (veja-se, por exemplo, o contributo de Luís Adriano Carlos), comprometidos com a sua difícil tarefa, ao longo de várias décadas, é que poderá chegar a outros nomes que, de facto, convençam. Acredito que o tempo é o crítico literário mais fiável, por poder ser um filtro daquilo que merece a pena: daqui a 100 anos, talvez surja esse 3º nome que ninguém irá contestar.

     Actualmente, o egotismo impera, a vaidade sobrepõe-se à obra e o caos instalou-se na pequenez das intervenções culturais. As redes sociais pouco têm contribuído para a educação do público leitor. Pelo contrário. O que resta? Um bom autoclismo.

Adília César, in https://issuu.com/danielpina1975/docs/algarve_informativo_388

PERFIL - CRISTOVAM PAVIA

Só de agora a mágoa[1]

 

Um barco sem velas

E sem rumo

Singrando um mar de fumo,

Mas descobrindo estrelas…

Nisto me resumo.[2]

 

Cristovam Pavia

 

     

Cristovam Pavia

     “Epígrafe” é o título dado a este pequeno poema de Cristovam Pavia. E, todavia, poderia ser um desses arquipélagos de cinza que o poeta foi visitando para meditar sobre a sua curta vida. De descoberta em descoberta, ele viu frotas de nuvens, turbilhões de cores, clarões do crepúsculo. Certamente que o poeta se encontrava encerrado em si mesmo, respirando com dificuldade, focado na construção da sua linguagem poética como se esta fosse uma casa com as janelas fechadas por dentro. Depois foram abertas todas as torneiras/E a casa desceu no espaço/como uma gota de água. Quem ficou fechado lá dentro? Quem se afogou? Quem bebeu aquela gota de água universal? O poeta Cristovam Pavia ou o homem de nome Francisco António Flores Bugalho, nascido em 1933 e falecido em 1968? Basta de perguntas.

     Toda a poesia de Cristovam Pavia é um aviso. Contudo, se ele poetiza a partir das suas vivências, os seus poemas devem ser lidos tendo em conta o seu sofrimento emocional, verificando-se revelações inéditas das suas circunstâncias pessoais. Do poeta para o homem, portanto. A voz poética, o som que o homem faz ao autodestruir-se.

     Ainda era criança e o fogo da poesia já lhe queimava as mãos, como um ardor acaso demasiado excessivo para o que então lhe era possível suportar.[3] Aos 13 anos já o rapaz escrevia e projectava-se em um-outro poético capaz de se abrir a um mundo dolorido que parecia cercá-lo como uma ilha de angústia. A infância é o paraíso perdido que ele desenha em traços de epitáfio, não sem antes procurar as nascentes de água pura, o baptismo da caminhada imbuída de desafios insuperáveis, demandas inultrapassáveis. Suster o peso da hora. O fim de qualquer coisa sempre visível e palpável. Profundo. Chamemos-lhe, pragmaticamente, epitáfio. Mais tarde, ele percebe que o menino que era não morreu. Pelo contrário, um e outro são o mesmo, confundindo-se um com o outro nas palavras escritas, grandes e opacas como a ampla solidão, o imenso silêncio que se instaura na reconciliação de ambos.

 

Havia grandes tílias aromáticas…

E pedrinhas brilhantes, coloridas

Conforme a luz…

E havia animais

Com rotas desconhecidas…

E folhas estranhas todas diferentes…

E tu estavas lá:

– Menino

Das pálpebras tombadas.

 

     Mas nós sabemos que está ali um menino já morto e que o homem caminha para a morte. Mas enquanto esta não chega, o poeta medita e escreve. Abandona-se a si mesmo e escreve consolações para tempos incertos. Deseja alcançar uma vertiginosa vertigem. A certeza: a força austera do comboio que desfaz o menino das pálpebras já tombadas.

---

[1] Verso do poema de amor “Pequena canção”, incluído no livro “35+15 poemas”, 2018, Opera Omnia.

[2] Em itálico: versos de poemas de Cristovam Pavia.

[3] Do texto “Sobre a poesia de Cristovam Pavia” de José Bento, incluindo na obra Poesia,1982, Moraes Editores.

______________________________

Adília César, in https://algarveinformativo.blogspot.com/2023/03/perfil-cristovam-pavia-so-de-agora.html

PERFIL - ANTÓNIO RAMOS ROSA E MANUEL MADEIRA

 A confidencialidade deliberada

… quando a breve luz se apaga,

resta uma eterna noite para dormir.

 

Caio Valério Catulo (84 a.C. - 54 a.C.)

 

António Ramos Rosa e Manuel Madeira (capa da 1ª edição, Ed. Labirinto, 2001)

   

     Os poetas também morrem. Mas enquanto a breve luz das suas vidas não se apaga, antes da eterna noite, convocam interrogações e profecias através da simbiose entre realidade e palavra poética. António e Manuel.

     António Ramos Rosa nasceu em 1924, em Faro. Em 1962 muda-se para Lisboa, onde foi professor e tradutor, até que se dedicou inteiramente à poesia. A sua intensa actividade poética, crítica e ensaística disseminou-se em projectos editoriais como as revistas de poesia Árvore, Cassiopeia e Cadernos do Meio-Dia (de que foi co-director juntamente com Casimiro de Brito), bem como em diversos jornais e revistas e distinguido com vários prémios nacionais e internacionais. A partir de 1980, inicia o desenho de rostos e outros traços não figurativos, realizando algumas exposições individuais em galerias portuguesas. Morreu em 2013.

     Manuel Madeira nasceu em 1924 em São Bartolomeu de Messines, mas muito cedo foi viver para Faro e depois para Olhão, onde esteve até aos vinte e cinco anos de idade. A seguir, deslocou-se para Lisboa e por lá ficou cerca de quarenta anos. Foi funcionário público, tendo sido demitido por motivos políticos, preso e torturado pela PIDE. Trabalhou como técnico de indústria agro-alimentar durante três décadas. Regressou a Olhão. Colaborou com poesia e ensaio em publicações clandestinas de divulgação cultural no Algarve, nos anos quarenta e posteriormente em jornais e revistas literárias do país. Foi co-fundador da revista literária SOL XXI. Está considerado como um antifascista da Resistência. Faleceu em 2016.

     Cartas Poéticas entre António Ramos Rosa e Manuel Madeira é um livro que não pode ser esquecido. É um livro que precisa ser estudado, por um lado, para entendermos a grandiosidade do género poesia epistolar, pouco valorizado hoje em dia e, por outro, para conhecermos estes dois homens: pessoas, poetas, seres humanos de excelência. Nas cartas que escreveram um ao outro, António e Manuel foram leitores de si mesmos, implicados numa atitude testemunhal. Nestas missivas poéticas, deram-se a conhecer e mostraram o mundo contextualizado nos seus problemas do quotidiano: lugares da infância e da adolescência, intenções, ideologias partilhadas. Ideias, visões, sentimentos. Claridades. Ritmos existenciais. Se cada poeta é a verdade da sua própria poesia, estas cartas-poema prepararam caminhos a outros poetas que se seguiram. É esse o seu valor intrínseco.

       António, o simbólico constante.

       Manuel, o guerreiro da transfiguração da palavra.

     António e Manuel escreveram-se durante muitos anos. Este livro reúne 134 cartas (1ª edição, Editora Labirinto, 2009), (Edição revista e aumentada, 4Águas Editora, 2014). Um e outro, um com o outro: o eu e o tu no que “a epistolografia pode exprimir, o que implica necessariamente a condição intersubjectiva do discurso, o conhecimento da própria criação, a comunidade e a comunhão dos sujeitos no horizonte da expressão poética. E o testemunho pressupõe a fidelidade como princípio na contínua relação transformadora do sujeito com os outros.” (do Prefácio à edição da 4Águas Editora, por Varela Pires).

 

Primeira carta a Manuel Madeira (p.15):

 

O que é uma casa, o que é a minha casa

onde o vento germina ou não germina

com o odor da humidade da terra?

O que é estar aqui neste âmbito limitado

meu querido amigo Manuel,

será que nele pulsa a reminiscência de aventuras passadas,

a nostalgia da ingénua adolescência,

será que ela é uma habitação, uma estância, uma ondulante saudade

de não se sabe o quê, talvez de um charco

onde crianças colhíamos fugidios girinos

(…)

 

Primeira carta a António Ramos Rosa (p.17):

 

Como se uma golfada azul de sol entrasse pelas frinchas

forçasse os gonzos ferrugentos e abrisse a porta

desta obscura casa onde guardo as relíquias

de um passado vivo todavia enevoado

sujeito como está ao furor das intempéries

às chuvas outonais aos indomáveis ventos

que sopram nos invernos da desolação

derrubando estacas promontórios raízes

- a tua carta meu querido amigo António

entrou de rompante com passos de arminho

neste espaço sombrio onde o bolor invadiu as soturnas paredes

com teias de aranha suspensas do tecto

iluminou os desvãos acordou o silêncio

da voz enternecida que dir-se-ia morta

despertou o torpor do sono empedernido

e estilhaçou em pedaços a rigidez da ausência

(…)

     Os poetas nunca morrem. António e Manuel vivem numa casa onde o silêncio acordou.

in https://issuu.com/danielpina1975/docs/algarve_informativo_379

PERFIL - ALDA LARA

 A eternidade dura apenas um instante

   Ah! Vida que eu apeteci

   Estreitar nos braços,

   De encontro ao peito,

   E que perdi…

   A!... Vida que eu não vivi!...

 

                                               Alda Lara, in Poemas (1984)[1]

 

Alda Lara, in descendências.pt

     Alda Ferreira Pires Barreto de Lara e Albuquerque (1930 – 1962) foi uma poetisa conhecida como Alda Lara, com colaboração dispersa em vários jornais de Portugal, Angola e Moçambique. Nasceu em Benguela, na então colónia portuguesa de Angola, no seio de uma família de comerciantes considerada como branca, de acordo com o sistema racial colonial. Foi casada com o escritor Orlando de Albuquerque, de quem teve quatro filhos, alguns dos quais envolvidos, posteriormente, na Luta de Libertação Nacional.

     A sua obra de poesia, encontrada através de intensa procura nos seus papéis pessoais, foi publicada, postumamente, pelo marido, que tão bem revela o que lhe parece mais importante relativamente ao espírito da escritora: «A sua poesia caracteriza-se por uma intensa angolanidade implícita e, sobretudo, por um extremo amor e carinho, quase ternura, pelos outros. Ternura de menina-mulher, que sofria com os sofrimentos alheios, que vibrava com as desgraças da sua terra – Angola – e com as infelicidades dos seus filhos, que eram todos quantos sofriam»[2].

     Alda Lara expressava-se através de um estilo rico e fluente, e era uma declamadora de notáveis recursos, tendo divulgado a poesia negra que quase ninguém conhecia na época, em numerosos recitais em Lisboa e Coimbra, onde estudou medicina. Ela ficou vinculada à Geração Mensagem, percebendo-se na sua poesia o exílio, a saudade da sua terra natal e dos lugares da infância; foi sempre notória a vontade de intervir no futuro como mensageira da sociedade civil, através da sua poesia, onde se percebia uma intervenção política implícita, embora do foro sentimental. Nesses poemas, percebe-se o «contexto histórico em que viveu, com assuntos sobre a sua infância; sua identidade nacional e racial; a vida como angolana no exílio em Portugal; seus desejos como mulher, mãe e cidadã; dificuldades da vida diária sob o colonialismo; ambições emocionais; alegrias e prazeres simples da vida»[3].

     Não há poetas felizes. Também a vida de Alda Lara foi preenchida por sacrifícios, renúncias, muito trabalho e pouco tempo livre. E, todavia, os seus poemas trazem-nos não mensagens de desespero, mas sim anúncios de esperança. Uma mulher confiante, ao serviço da humanidade. Tudo era razão para tomar uma atitude, uma forma intensa de cumprir os seus deveres para com o outro. E, todavia, a solidão andava por perto.

    Todas as mãos se estenderam,

     Nenhuma se me estreitou.

 

     Todas as bocas disseram,

     Nenhuma se me calou.

 

     Todas as cruzes se ergueram,

     nenhuma crucificou.

 

     Todas as vidas viveram,

     E a minha vida ficou…

 

     A vida é uma ronda, uma dança, uma viagem. Alda Lara viveu durante um instante. Poetisa, ensaísta, médica, ativista política. Mulher. Mas o que se sabe sobre a sua vida vem dos seus poemas, que leremos com a mesma convicção com que ela os escreveu, num contexto em que tomavam forma os movimentos de libertação na África Portuguesa. Desconhecemos qual a influência da sua poesia na literatura revolucionária angolana, mas não há dúvida que a escrita poética de Alda Lara se constituiu como instrumento de desenvolvimento intelectual e conhecimento de si.

     Faleceu em Cambambe, com apenas 32 anos, devido a complicações médicas desconhecidas. Em reconhecimento pelo seu trabalho, a Câmara Municipal de Sá Bandeira instituiu o Prémio Alda Lara para Poesia.

     Ler Alda Lara é fazer justiça ao instante que durou a sua vida. Ternura e coragem são exigidas nesta viagem literária.

Adília César, in https://issuu.com/danielpina1975/docs/algarve_informativo_376

---

[1] In Poemas (1984, Editora Vertente, obra póstuma)

[2] Nota editorial à obra Poemas (Poemas (1984, Editora Vertente, obra póstuma), redigida por Orlando de Albuquerque.

[3] In Biografias de Mulheres Africanas (site: https://www.ufrgs.br/africanas/alda-lara-1930-1962/)

PERFIL - OSWALD DE ANDRADE

Assim como uma explosão lenta de humanidade

Oswald de Andrade (Brasil, 1890-1954)

     A insónia avassaladora, por fim, sucumbia. Tudo tem um fim. Mas antes, os olhos bem abertos na escuridão devoravam a melancolia como faróis no túnel da noite. Ela, a mulher morena, já não estava ali. A porta ficara aberta e ele fechou-a, sem olhar a solidão que teimava em entrar. Outra vez. Mas antes, ela estava ali: a mulher-boneca.      

     Sabes de uma boneca sem almofada nem pedestal. Apenas o perfume da espera, a embrulhar um sorriso perfeito, suspenso no silêncio do quarto. Permanece na comodidade do seu drama, num monólogo subtil da imagem que oferece às paredes. Às vezes, uma sombra. Outras vezes, um brilho. E nunca a respiração. A porta abre-se em ângulo obtuso e o mundo agora é outro, ainda sombrio, mas partidário da emoção do que não aconteceu. Esse é o melhor momento do dia. Quando o quarto cósmico se acende com as estrelas que vêm de longe, só para enfeitar a boneca que se abandona ao destino surreal. Ela sabe o perigo que corre. Não há lugar para as sereias nas camas dos amantes. Não existe imunidade para os pecados amorosos. As pétalas frescas das rosas irão secar, mesmo que a eternidade lhes seja pedida. Apenas o vício amassado e transformado em prazer fácil no quarto quimérico. É só isso que sobra de cada vez que tu sais por aquela porta. Mas depois as estrelas apagam-se no abandono do corpo imóvel. Um sono intranquilo, entrecortado pelas palavras do poema que quer sobreviver. Um sonho animado pelos efeitos especiais de uma boneca viva em pose sedutora. Um auto-retrato celestial de uma boneca outra vez virgem, de cada vez que tu voltares a entrar por aquele quarto. Num outro dia. Um leve pestanejar. Sabes de uma boneca, mas ela não sabe de ti. E foi-se embora. Há outras bonecas que abrem as portas das casas pelo lado de fora. Outras mulheres. Querem descobrir o que está lá dentro. Oswald acreditava em todas elas, bonecas e mulheres. No chão, a passadeira vermelha mostrava uma alegria de fim de mundo, de apocalipse, de amorosa intensidade, mas, principalmente, de inteligência.

     Vejamos: Oswald de Andrade era mais do que este homem. Era um ser capaz de deglutir, engolir a cultura e transformá-la em algo muito próprio e modernista. Desde o início da sua acção cultural, criava polémicas, respondia às provocações surgidas e marcava uma posição em defesa da arte. Nesses textos, questões estéticas relacionadas com questões políticas e sociais, em jornais e revistas da época, permitiram consolidar um espaço de encontro para o nascimento de uma nova estética – o movimento modernista – a partir de 1922. Oswald de Andrade tinha pouco mais de 30 anos de idade.

 

Considera-se um povo pela sua cultura; é a expressão máxima de raça e de momento a obra de arte que resiste ao tempo; passam os politiqueiros, passam os tiranos que andaram de charola, passam os milionários e os agitadores de praça pública, apaga-se a memória dos que foram grandes à força de trombeta – e ficam os artistas. (Oswald de Andrade, Jornal do Commercio, São Paulo, 16 maio 1920)

 

     O homem, o escritor, o pensador, o mestre, proclamava independência artística sobre o caminho da Independência política do Brasil de 1822, frisando que independência não é somente independência política, é acima de tudo independência mental e independência moral. (idem)

     Ter coragem é perseguir a realidade e Oswald sabia que tudo o que fica registado fala com o futuro. Por essa razão e para fazer cumprir o seu propósito, escrevia sem parar. Contudo, o seu optimismo era relutante. A linguagem assume um significado incompreensível e agonizante, o qual recusas. Curar as feridas do pensamento, desvanecer as náuseas da emoção. A gordura derrete e escorre por entre os pés dos ignorantes. Escorregam a cada passo e afogam-se na sua própria vulgaridade. Cheiram a ranço. Tu já não estás ali porque tu nunca estiveste ali. E não sucumbes. Pensas-te para regressares à realidade que criaste em teu redor, como se a trama da banalidade se pudesse transformar numa teia pacificadora. Mas não há filosofia que ilumine o negrume da razão amaldiçoada. Ficas exausto e dormes durante um século dentro do coração. Quando acordas, não sabes o nome da linguagem que te adormeceu, bem no centro de um novelo de emoções. Depois, durante o dia, acumulas as tuas dúvidas. Hoje, o poema escreve-se no fim. E, todavia, um poema escrito no final da página abre uma fenda para deixar entrar o futuro da página seguinte, ou seja, o princípio de qualquer coisa que mereça ficar na nossa memória, que mereça um pensamento amplo, assim como uma explosão lenta de humanidade:

 

ERRO DE PORTUGUÊS

 

Quando o português chegou

Debaixo de uma bruta chuva

Vestiu o índio

Que pena!

Fosse uma manhã de sol

O índio tinha despido

O português.

Oswald de Andrade (Brasil, 1890-1954),

in «Primeiro caderno de poesia do aluno Oswald de Andrade», 1927

Adília César, in https://issuu.com/danielpina1975/docs/algarve_informativo_373