PERFIL - MINOU DROUET

 A fraude ou o génio – O pouco ou o muito

 

Na verdade, você não pode encontrar um livro de Minou Drouet em qualquer livraria de Paris, nem mesmo o seu sucesso fenomenal Arbre, Mon Ami, que foi publicado há pouco mais de cinquenta anos - no começo de 1956 - pelo agressivo René Julliard, que no ano anterior havia conseguido um triunfo internacional com Bonjour Tristesse, de Françoise Sagan. Mas Sagan tinha dezoito anos; Minou tinha oito anos.

Robert Gottlied in “A Lost Child” (2006)

 

 

Minou Drouet

     Minou nasceu em julho de 1947 e foi adoptada por Claude Drouet, professora particular e aspirante a poetisa. A menina evidenciava problemas sérios de saúde: era quase cega e comportava-se de modo muito alheado, tendo dificuldade em relacionar-se com as outras crianças. Diz-se que até aos seis anos de idade nunca pronunciou uma palavra. Talvez por estes motivos de recolhimento interior, as suas emoções eram dedicadas quase inteiramente à natureza – os pássaros e outros animais, a grande árvore do jardim. Claude Drouet amou aquela criança para além do esperado, acreditando que através desse amor seria possível transformar um bebé doentio e fechado numa menina saudável, feliz e criativa. Não se sabe bem como começou esse milagre do desabrochar, do despertar para o mundo. Toda a infância de Minou foi cercada de mistérios e ambiguidades, e vários médicos afirmaram que ela nunca seria uma criança normal.

     Em 1954 teve início um processo extraordinário de desenvolvimento do caso Minou: por volta dos 8 anos de idade a criança começou as suas lições de piano com Ninette Ellia, a quem escreveu cartas e poemas; por sua vez, a tutora mostrou-as ao Professor Vallery-Radot da Academia Francesa, que ficou fascinado e dela falou ao editor René Julliard; este veio a conhecer Minou pouco tempo depois.  Entretanto, a menina fez uma cirurgia e recuperou a visão. Julliard fez uma edição privada de um livreto com uma selecção de poemas e de cartas de Minou e a controvérsia instalou-se. Os textos, de grande qualidade literária, implicavam indiscutivelmente a questão da sua autoria: seria a criança ou a mãe, uma poetisa considerada de segunda categoria? Um sem número de acções de diversos quadrantes da sociedade francesa e até internacional moveram todas as estratégias ao alcance numa tentativa de decifrar a personalidade poética de Minou Drouet: entrevistas à família, artigos de opinião, testes de competência. A 14 de janeiro de 1956, René Juillard publicou o primeiro livro de Minou – Arbre, Mon Ami – com 21 poemas e algumas cartas que ela escreveu para diversas pessoas: uma imaginação extravagante, metáforas poderosas, neologismos, uma enorme sensibilidade. E nada disto se sintonizava com uma menina daquela idade. Seria Minou Drouet uma criança prodígio ou uma farsa? O livro teve sucesso imediato, vendendo quarenta e cinco mil cópias em poucos meses. A batalha literária continuou por mais algum tempo, a par dos filmes, canções, entrevistas, programas de televisão. Um boom mediático e avassalador que explorou o caso Minou Drouet até à exaustão, com posições altamente contrárias evidenciadas por personalidades relevantes do meio cultural da época – escritores, jornalistas, críticos de arte. Nunca se chegou a uma conclusão válida.

     “Eu era uma criança perdida, eu era apenas um animal patético, que crime cometi para ser perseguida desta maneira?”, perguntou ela. Não obteve resposta. Depois de ter publicado um segundo livro de poesia em 1959 – Le Pêcheur de Lune – ela começou a hesitar. Tentou escrever fábulas, romances, e também seguir carreira como cantora, estudou enfermagem, casou com o artista e cronista de rádio Patrick Font e divorciou-se de seguida. O impulso irresistível para escrever tinha-a abandonado aos 14 anos e pouco a pouco remeteu-se ao silêncio. Contudo, ela encontrou uma forma de sobreviver: deixou cair a Minou da infância e tornou-se Madame Le Canou, instalando-se na localidade de La Guerche-de-Bretagne – onde poucos habitantes conhecem o seu passado. Era o preço que estava disposta a pagar.

     É possível encontrar a bela mulher loira de 75 anos a fazer compras no mercado; já não escreve e recusa-se a dar entrevistas. O enigma persiste.

     No contexto da época, o caso Minou Drouet foi considerado o maior enigma literário do século XX, em França. Fascinante. Um enigma dentro de outro enigma. De um lado, a poesia. Do outro, uma criança. De tudo o que se sabe sobre uma e outra – a poesia e a criança – não se tem grandes certezas. O que é a poesia? O que é uma criança? E, assim, resta-nos a grande questão que ultrapassa o caso Minou Drouet: pode uma criança escrever poemas?

Adília César, in https://issuu.com/danielpina1975/docs/algarve_informativo_391

PERFIL - SIR JOHN HARINGTON

Poetas e poetas

 

Dizem que não há mulher feia

Também não há má poesia.

Que a natureza a tudo premeia

 

Samuel Úria, Má Poesia Feia 

 

Sir John Harington e os planos do autoclismo

     Sir John Harington nasceu em Kelston, Reino Unido (baptizado a 4 de agosto de 1560 e falecido a 20 de novembro de 1612), era um cortesão inglês, poeta e tradutor. O que muita gente não sabe, é que ele ficou na história como o inventor do autoclismo, apesar de se conhecer a existência de espaços sanitários públicos, em forma de bancos conjuntos, nas cidades greco-romanas da antiguidade.

      Foi na corte da Rainha Elisabeth I que J.H. se notabilizou, sendo conhecido como o seu "afilhado atrevido", mas a poesia e outros escritos tendencialmente críticos em relação à monarquia contribuíram para a sua desgraça, passando a ser repudiado pela rainha. “Um Novo Discurso de um Sujeito Velho, chamada Metamorfose de Ajax” data de 1596 e é um texto controverso, uma alegoria política e um ataque à monarquia, ainda que codificado. Sem dúvida, a sua obra mais conhecida. Neste “novo discurso”, J.H. descreve aquilo que seria hoje uma sanita moderna com descarga (o “autoclismo”), a qual chegou a ser instalada na sua casa em Kelston: esta nova invenção seria melhorada em 1778, por Joseph Bramah.

     O século XVI é referenciado como a época em que era vulgar o uso da cadeira de madeira com um recipiente colocado no seu interior, destinado à recolha dos dejectos das pessoas, nas casas das famílias mais abastadas. Em 1739 é finalmente criado o primeiro WC público dividido por género feminino e masculino e, em 1885, Thomas Twyford lançou as inovadoras sanitas de porcelana que substituíram rapidamente, pelos motivos óbvios, as cadeiras de madeira: as peças de louça eram mais bonitas e de fácil limpeza. Sanitas com sifão foram colocadas à disposição dos potenciais utilizadores no final do século XIX, e no século XX a invenção ganhou popularidade: objectos funcionais e imprescindíveis no nosso dia a dia. É interessante referir que no livro As 100 maiores invenções da história, o escritor americano Tom Philbin classificou-o na 16ª colocação.

     Parecendo, esta crónica não é sobre sanitas e autoclismos, embora a introdução seja absolutamente necessária para a compreensão do que vem a seguir. Afinal o inventor do autoclismo também era poeta… Portanto, a minha reflexão vai para uma determinada linha de poesia rebuscada nos canos da inspiração e do sentimentalismo. Muitas pessoas que se dizem poetas escrevem com o coração, não usam a cabeça. Lamentavelmente, quando são assoberbados por algum súbito pensamento que lhes parece “luminoso e inspirador”, têm um problema de configuração e a máquina de construir poemas exibe as suas falhas.

     Na verdade, cabeças há muitas; e ao contrário do que eu julgava até há bem pouco tempo, não há “cabeças ocas”. Contudo, há cabeças que não pensam por dentro, mas sim por fora. Em vez de se preocuparem com a sua essência, apoiam-se numa existência baseada em comodismos, vaidades, peripécias inócuas, enfeites. Nas palavras de Homero Flor, essas pessoas habitam um “Olimpo de Fancarias”, onde a afirmação do ego vale mais do que um pensamento altruísta.

     A poesia, coitada, conspurcou-se. Agora, todos “têm vontade” e “sabem” escrever poemas, ou seja, ser poeta já não é uma condição inerente ao ofício literário, parecendo congregar funções terapêuticas, exibicionistas e decorativas, de modo insistente, obcessivo: desabafos salteados, solturas metafóricas, palavras cruzadas de semântica indigesta. Em suma, matéria biodegradável, de perenidade imediata, porém, sempre mediatizada, infelizmente. Há versos que são como dejectos, mas quando se trata de poemas inteiros, então, é preciso uma boa descarga de tolerância para higienizar o pensamento poético. Eu entendo: há poetas que são como autoclismos avariados, embora não o saibam. E quem tem coragem de lhes dizer a verdade? Poucos.

     Validar a obra de um poeta é tarefa do crítico independente, mas também do leitor atento, e nunca da editora que promove e vende os livros. Certezas: Luís de Camões, Fernando Pessoa e...? Só um sério e sistematizado trabalho de crítica literária elaborado por um número significativo de estudiosos (veja-se, por exemplo, o contributo de Luís Adriano Carlos), comprometidos com a sua difícil tarefa, ao longo de várias décadas, é que poderá chegar a outros nomes que, de facto, convençam. Acredito que o tempo é o crítico literário mais fiável, por poder ser um filtro daquilo que merece a pena: daqui a 100 anos, talvez surja esse 3º nome que ninguém irá contestar.

     Actualmente, o egotismo impera, a vaidade sobrepõe-se à obra e o caos instalou-se na pequenez das intervenções culturais. As redes sociais pouco têm contribuído para a educação do público leitor. Pelo contrário. O que resta? Um bom autoclismo.

Adília César, in https://issuu.com/danielpina1975/docs/algarve_informativo_388

PERFIL - CRISTOVAM PAVIA

Só de agora a mágoa[1]

 

Um barco sem velas

E sem rumo

Singrando um mar de fumo,

Mas descobrindo estrelas…

Nisto me resumo.[2]

 

Cristovam Pavia

 

     

Cristovam Pavia

     “Epígrafe” é o título dado a este pequeno poema de Cristovam Pavia. E, todavia, poderia ser um desses arquipélagos de cinza que o poeta foi visitando para meditar sobre a sua curta vida. De descoberta em descoberta, ele viu frotas de nuvens, turbilhões de cores, clarões do crepúsculo. Certamente que o poeta se encontrava encerrado em si mesmo, respirando com dificuldade, focado na construção da sua linguagem poética como se esta fosse uma casa com as janelas fechadas por dentro. Depois foram abertas todas as torneiras/E a casa desceu no espaço/como uma gota de água. Quem ficou fechado lá dentro? Quem se afogou? Quem bebeu aquela gota de água universal? O poeta Cristovam Pavia ou o homem de nome Francisco António Flores Bugalho, nascido em 1933 e falecido em 1968? Basta de perguntas.

     Toda a poesia de Cristovam Pavia é um aviso. Contudo, se ele poetiza a partir das suas vivências, os seus poemas devem ser lidos tendo em conta o seu sofrimento emocional, verificando-se revelações inéditas das suas circunstâncias pessoais. Do poeta para o homem, portanto. A voz poética, o som que o homem faz ao autodestruir-se.

     Ainda era criança e o fogo da poesia já lhe queimava as mãos, como um ardor acaso demasiado excessivo para o que então lhe era possível suportar.[3] Aos 13 anos já o rapaz escrevia e projectava-se em um-outro poético capaz de se abrir a um mundo dolorido que parecia cercá-lo como uma ilha de angústia. A infância é o paraíso perdido que ele desenha em traços de epitáfio, não sem antes procurar as nascentes de água pura, o baptismo da caminhada imbuída de desafios insuperáveis, demandas inultrapassáveis. Suster o peso da hora. O fim de qualquer coisa sempre visível e palpável. Profundo. Chamemos-lhe, pragmaticamente, epitáfio. Mais tarde, ele percebe que o menino que era não morreu. Pelo contrário, um e outro são o mesmo, confundindo-se um com o outro nas palavras escritas, grandes e opacas como a ampla solidão, o imenso silêncio que se instaura na reconciliação de ambos.

 

Havia grandes tílias aromáticas…

E pedrinhas brilhantes, coloridas

Conforme a luz…

E havia animais

Com rotas desconhecidas…

E folhas estranhas todas diferentes…

E tu estavas lá:

– Menino

Das pálpebras tombadas.

 

     Mas nós sabemos que está ali um menino já morto e que o homem caminha para a morte. Mas enquanto esta não chega, o poeta medita e escreve. Abandona-se a si mesmo e escreve consolações para tempos incertos. Deseja alcançar uma vertiginosa vertigem. A certeza: a força austera do comboio que desfaz o menino das pálpebras já tombadas.

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[1] Verso do poema de amor “Pequena canção”, incluído no livro “35+15 poemas”, 2018, Opera Omnia.

[2] Em itálico: versos de poemas de Cristovam Pavia.

[3] Do texto “Sobre a poesia de Cristovam Pavia” de José Bento, incluindo na obra Poesia,1982, Moraes Editores.

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Adília César, in https://algarveinformativo.blogspot.com/2023/03/perfil-cristovam-pavia-so-de-agora.html

P'ARTE - RECOLHAS POÉTICAS #3 | 2023

DANSE, DANSE, OTHERWISE WE ARE LOST

Esta é uma colectânea de poesia com a chancela do CEC (Grupo THeleme), na qual colaborei com dois poemas.

Poesia e Dança - uma relação estética. Boas leituras!

PERFIL - ANTÓNIO RAMOS ROSA E MANUEL MADEIRA

 A confidencialidade deliberada

… quando a breve luz se apaga,

resta uma eterna noite para dormir.

 

Caio Valério Catulo (84 a.C. - 54 a.C.)

 

António Ramos Rosa e Manuel Madeira (capa da 1ª edição, Ed. Labirinto, 2001)

   

     Os poetas também morrem. Mas enquanto a breve luz das suas vidas não se apaga, antes da eterna noite, convocam interrogações e profecias através da simbiose entre realidade e palavra poética. António e Manuel.

     António Ramos Rosa nasceu em 1924, em Faro. Em 1962 muda-se para Lisboa, onde foi professor e tradutor, até que se dedicou inteiramente à poesia. A sua intensa actividade poética, crítica e ensaística disseminou-se em projectos editoriais como as revistas de poesia Árvore, Cassiopeia e Cadernos do Meio-Dia (de que foi co-director juntamente com Casimiro de Brito), bem como em diversos jornais e revistas e distinguido com vários prémios nacionais e internacionais. A partir de 1980, inicia o desenho de rostos e outros traços não figurativos, realizando algumas exposições individuais em galerias portuguesas. Morreu em 2013.

     Manuel Madeira nasceu em 1924 em São Bartolomeu de Messines, mas muito cedo foi viver para Faro e depois para Olhão, onde esteve até aos vinte e cinco anos de idade. A seguir, deslocou-se para Lisboa e por lá ficou cerca de quarenta anos. Foi funcionário público, tendo sido demitido por motivos políticos, preso e torturado pela PIDE. Trabalhou como técnico de indústria agro-alimentar durante três décadas. Regressou a Olhão. Colaborou com poesia e ensaio em publicações clandestinas de divulgação cultural no Algarve, nos anos quarenta e posteriormente em jornais e revistas literárias do país. Foi co-fundador da revista literária SOL XXI. Está considerado como um antifascista da Resistência. Faleceu em 2016.

     Cartas Poéticas entre António Ramos Rosa e Manuel Madeira é um livro que não pode ser esquecido. É um livro que precisa ser estudado, por um lado, para entendermos a grandiosidade do género poesia epistolar, pouco valorizado hoje em dia e, por outro, para conhecermos estes dois homens: pessoas, poetas, seres humanos de excelência. Nas cartas que escreveram um ao outro, António e Manuel foram leitores de si mesmos, implicados numa atitude testemunhal. Nestas missivas poéticas, deram-se a conhecer e mostraram o mundo contextualizado nos seus problemas do quotidiano: lugares da infância e da adolescência, intenções, ideologias partilhadas. Ideias, visões, sentimentos. Claridades. Ritmos existenciais. Se cada poeta é a verdade da sua própria poesia, estas cartas-poema prepararam caminhos a outros poetas que se seguiram. É esse o seu valor intrínseco.

       António, o simbólico constante.

       Manuel, o guerreiro da transfiguração da palavra.

     António e Manuel escreveram-se durante muitos anos. Este livro reúne 134 cartas (1ª edição, Editora Labirinto, 2009), (Edição revista e aumentada, 4Águas Editora, 2014). Um e outro, um com o outro: o eu e o tu no que “a epistolografia pode exprimir, o que implica necessariamente a condição intersubjectiva do discurso, o conhecimento da própria criação, a comunidade e a comunhão dos sujeitos no horizonte da expressão poética. E o testemunho pressupõe a fidelidade como princípio na contínua relação transformadora do sujeito com os outros.” (do Prefácio à edição da 4Águas Editora, por Varela Pires).

 

Primeira carta a Manuel Madeira (p.15):

 

O que é uma casa, o que é a minha casa

onde o vento germina ou não germina

com o odor da humidade da terra?

O que é estar aqui neste âmbito limitado

meu querido amigo Manuel,

será que nele pulsa a reminiscência de aventuras passadas,

a nostalgia da ingénua adolescência,

será que ela é uma habitação, uma estância, uma ondulante saudade

de não se sabe o quê, talvez de um charco

onde crianças colhíamos fugidios girinos

(…)

 

Primeira carta a António Ramos Rosa (p.17):

 

Como se uma golfada azul de sol entrasse pelas frinchas

forçasse os gonzos ferrugentos e abrisse a porta

desta obscura casa onde guardo as relíquias

de um passado vivo todavia enevoado

sujeito como está ao furor das intempéries

às chuvas outonais aos indomáveis ventos

que sopram nos invernos da desolação

derrubando estacas promontórios raízes

- a tua carta meu querido amigo António

entrou de rompante com passos de arminho

neste espaço sombrio onde o bolor invadiu as soturnas paredes

com teias de aranha suspensas do tecto

iluminou os desvãos acordou o silêncio

da voz enternecida que dir-se-ia morta

despertou o torpor do sono empedernido

e estilhaçou em pedaços a rigidez da ausência

(…)

     Os poetas nunca morrem. António e Manuel vivem numa casa onde o silêncio acordou.

in https://issuu.com/danielpina1975/docs/algarve_informativo_379

NOTA DE LEITURA DE ARMANDINA MAIA Para "DELIRIUM"

Nota de leitura do meu livro DELIRIUM (maio de 2021, Urutau),

por Armandina Maia

DELIRIUM de Adília César - O poema contínuo*

"Algo está sempre a acontecer. Por isso escrevo. Escrevo porque algo aconteceu ou acontece". Cito estas palavras de Ana Hatherly pela cumplicidade que estabelecem com a poesia de Adília César.

Em Delirium, a autora prossegue o questionamento das suas obras anteriores, centrando-se no valor fulcral do silêncio, que amplia a sua liberdade para "Descrever a amplitude de um silêncio, de dentro para fora e do preenchido para o vazio".

Mas "O poema não é um sonho ou uma metáfora/ é um galope pela boca adentro". É como se, sob a pele das palavras do poema, corresse uma narrativa sempre inacabada “Uma, duas, três palavras… como se fossem coleiras vazias de cães".

Sempre o silêncio, uma das armas desta escrita, a interrogação suspensa que atravessa o texto em que “Entrar é lembrar e sair é esquecer”. A ousadia e amplitude desta poesia confere a Adília César sem sombra de dúvida um lugar singular na poesia portuguesa.

"Já não há longe nem distância, apenas/ reconheço as nossas cabeças pensantes/ à solta no firmamento". Ou, como a mesma diz em artigo recente (Lógos, 06.03.2021) "Não há poesia sem dúvidas, sem questionamento e sem as divergentes linhas de resposta, mas alguém há-de sobreviver (..) entre abismos, quedas e cadeirões de veludo."

*Armandina Maia, Associação Portuguesa de Críticos Literários

(nota de leitura incluída no livro)

NOTA DE LEITURA DE MARIA GRACIETE BESSE PARA "DELIRIUM"

Nota de leitura do meu livro DELIRIUM (maio de 2021, Urutau)

por Maria Graciete Besse

DELIRIUM de Adília César – A arte da perda*

Sob o signo de Artaud e Lispector, citados em epígrafe, Adília César oferece-nos um conjunto coerente de 85 poemas, reunidos em 17 secções, que inauguram uma poética da perda, criando uma circularidade à volta da imagem feroz que abre e fecha o volume para designar "o eu a sangrar-me encostada à faca". Entre "círculos de nada" e "exclamações" do sentir, a voz poética desenha o percurso de uma aprendizagem onde se inscrevem algumas reminiscências infantis, as asas da melancolia, os fantasmas "que amparam as quedas" num "lugar cercado por muralhas de palavras", mas aberto por vezes à "semântica do desejo" e aos "fragmentos sentimentais" que alternam com a "descrição da catástrofe". A convulsão da linguagem traduz ainda a febre do desencontro amoroso quando o outro é conotado com o "sono de marfim" e o espaço se povoa de "pirilampos apagados". Neste livro sedutor, o sujeito poético avança nas dobras da perda e convida-nos a celebrar o tempo, "esse incinerador de todos os instantes", para exprimir o fino gume dos segredos que é também o ritmo do conhecimento e o voo possível do delírio como "corpo do mundo".

*Maria Graciete Besse, crítica literária

(nota de leitura incluída no livro)